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Qué es el Diseño Gráfico

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En Estudio Pixel vivimos del Diseño Gráfico. Por si no sabes lo que hace exactamente un diseñador gráfico aquí te lo voy a explicar.
CONTENIDO DEL ARTÍCULO

Qué es el diseño gráfico

El diseño gráfico es un oficio donde los profesionales creamos contenido visual para comunicar mensajes.

Al aplicar la jerarquía visual y las técnicas de diseño de página, los diseñadores utilizamos la tipografía y las imágenes para satisfacer las necesidades específicas de los usuarios y centrarnos en la lógica de mostrar elementos en diseños interactivos para optimizar la experiencia del usuario.

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El diseño gráfico: desde los orígenes hasta nuestros días

La comunicación gráfica nos ha acompañado durante toda nuestra historia.

Pinturas rupestres, símbolos, escritura, arte, pero aunque todo esto esté relacionado con lo que hoy conocemos como diseño gráfico, es muy difícil elegir una fecha en la que el diseño aparece tal y como lo concebimos ahora.

História del Diseño Gráfico

Para no retroceder demasiado en la historia hemos decidido comenzar desde finales del siglo XIX un buen punto de partida para poder comprender los acontecimientos principales corrientes y algunos artistas que han ayudado al diseño gráfico a ser lo que es en la actualidad.

A finales del siglo XIX la cultura occidental se enfrenta a profundos cambios a consecuencia de la revolución industrial y el desarrollo tecnológico. Las ciudades crecen convirtiéndose en urbes y los avances en la comunicación y el transporte hacen que fluyan más las ideas. La producción en masa de las industrias hace que el producto artesano pierda valor pero en el reino unido llega la intención de devolver el valor al mismo por parte de William Morris y el movimiento Arts of Crafts.

Pero el alto coste de producción revelaron la incapacidad de luchar contra los productos industriales. Aún así su influencia fue importante en todos los ámbitos del diseño. Esta tendencia pasa al resto de europa con el deseo de poseer un estilo propio que represente a los nuevos tiempos.

Es así como nace el Modernismo. El Modernismo es un movimiento artístico que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del XX, periodo también conocido como la Belle Époque.

La Belle Époque duró aproximadamente desde 1870 hasta el inicio de la primera Guerra Mundial. El modernismo también se conoce como Art Nouveau, Judgenstill o Secesión en función de su ubicación. Intenta fusionar arte y vida influido por la filosofía de John Ruskin y William Morris, además rompe con anteriores movimientos como el Historicismo, el Realismo o el Impresionismo. Utiliza elementos de la naturaleza para dar movimiento a sus obras haciendo que el componente orgánico tenga un fuerte protagonismo. 

Algo que distingue a este movimiento es que sus autores trabajan varias disciplinas. Un arquitecto, por ejemplo, no sólo diseña su edificio sino también los muebles y adornos que contendrá. Es por esto que comienzan a aparecer objetos decorativos con la firma de su creador.

Algunos autores de este movimiento son Alfons Mucha. Este pintor y artista decorativo checo es uno de los grandes exponentes del Art Nouveau. Su estilo muchas veces imitado es florido y en sus diseños de línea sensual la imagen de la mujer es siempre protagonista. 

Charles Rennie Mackintosh, lo sabemos, suena a ordenador de Apple pero fue un arquitecto y diseñador nacido en Escocia en 1868 y uno de los máximos representantes del Moderno Style en su país. En sus obras destacan las figuras geométricas y las líneas rectas y ascendentes.

Peter Behrens fue pionero en el diseño de carteles, logos y fuentes pero acabó buscando un diseño menos adornado, más pulcro y funcional que le permitiera la producción modular y en cadena. Sus retículas comenzaban con un círculo y un cuadrado que multiplicándose o dividiéndose se podían usar para cualquier diseño.

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El principio del siglo XX estuvo marcado por la Primera Guerra Mundial que comienza en 1914 con el asesinato del príncipe austríaco en Sarajevo, hecho que provocó la guerra entre Serbia y Austria-Hungría y ambos bandos fueron apoyados por las grandes potencias mundiales.

Terminó con la derrota de Alemania y el imperio Austrohúngaro y la firma del tratado de Versalles en 1919.

Este mismo año, uno de los alumnos de Behrens, Walter Gropius fundó en Alemania la escuela Bauhaus, ¿te suena?

La Bauhaus fue una importantísima escuela que combinaba diseño, arte y arquitectura.

Influidos también por el Constructivismo estudiaban la forma, el color, los materiales, la composición o el espacio e intentó aportar valor estético al producto industrial para su resurgimiento después del conflicto.

En 1925 la escuela se trasladó a Dessau donde creció el interés en la parte más práctica del objeto.

La Bauhaus desarrolló principios fáciles de comprender. Se establecía una jerarquía tipográfica y se utilizaban líneas, barras, cuadrados y puntos para dividir el espacio y unir diferentes elementos atrayendo así la mirada del espectador.

La escuela cerró finalmente en Berlín en 1933. En la Bauhaus destacaron entre sus profesores grandes artistas como Kandinsky, de origen ruso, un gran pintor del expresionismo y la abstracción y un teórico del color y el diseño; Paul Klee que al igual que Kandinsky está considerado como uno de los padres de la abstracción y uno de los artistas más influyentes del siglo XX; Herbert Bayer cuyas composiciones dinámicas con líneas horizontales y verticales fuertes e incluso diagonales caracterizaron su etapa en la Bauhaus creó la fuente universal cuyo nombre implica las aspiraciones de los nuevos principios del diseño; Moholy Nagy cuya pasión por la tipografía y la fotografía llevó a que se hicieron experimentos importantes para unir estas dos artes.

Fuera de la escuela destacó El Lissitzky que estudió, innovó, experimentó con nuevas formas de expresión tanto en la tipografía como en la fotografía y en el fotomontaje. Su influencia en la evolución del diseño gráfico fue crucial en los primeros momentos del movimiento moderno manteniéndose vigente hasta la actualidad.

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Al mismo tiempo que en Alemania se desarrollaba la Bauhaus en Francia y otros países europeos optaron por un movimiento distinto.

Después de la guerra el estilo decorativo del modernismo empezó a sustituirse por trazos más simples y rectilíneos, más en armonía con la estética plana y el menor coste de los diseños industriales, hablamos del Art Déco. 

Este movimiento se dio a conocer en la exposición internacional de las artes decorativas e industriales modernas de 1925 en París y duró hasta 1939.

Las influencias también del estilo racionalista y contemporáneo de la mencionada escuela Bauhaus, además la influencia del Constructivismo ruso aportó las líneas duras y la solidez de las formas, así como la aparición de elementos monumentales en sus composiciones.

En sus diseños aparecen las innovaciones tecnológicas de su época, la aviación moderna, la iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos.

Estas influencias se expresaron en un mayor uso de formas geométricas y de la simetría. El empleo del color proviene del Fauvismo, esto es evidente en revistas, libros y pósters de la época.

Destacaron los llamados “mosqueteros del cartel”. Cassandre fue un cartelista y diseñador gráfico francés de origen ucraniano. 

En sus obras se puede observar la influencia de las vanguardias artísticas de la época de entreguerras del siglo XX. Sus carteles eran una síntesis perfecta y nunca antes vista de arte, texto e imagen.

Charles Loupot, que diseñó más de 60 carteles para impresores suizos quienes le enseñaron las limitaciones y recursos de la litografía.

Jean Carlu del que dicen que sus trabajos son creaciones artísticas absolutas y que en su obra se puede ver la constante utilización retórica.

Paul Colin, cuyo estilo era muy personal e imposible de categorizar. La precisión de sus retratos y la fuerza de sus carteles para grandes causas lo llevó a convertirse en un maestro de la comunicación visual.

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Durante las primeras décadas del siglo XX en europa varios diseñadores, muchos independientes del Rrt Déco y la Bauhaus hicieron aportaciones significativas al diseño y aparecieron grandes tipografías como Gill-Sans, la Futura, de Paul Renner o el movimiento Iso Type creado por Norad. Pero sin duda la aportación más importante fue la que hizo Jan Tschichold (1902-1974) con la nueva tipografía.

En la Unión Soviética y en Alemania condenan el nuevo arte y artistas como Gropius y Bayern, entre otros, deben emigrar pero allí las corrientes conservadoras critican duramente estos movimientos nacidos en Europa.

Aunque unos diseñadores estadounidenses reconocieron la vitalidad y la utilidad de las nuevas ideas traídas por los inmigrantes europeos.

Tschichold fue el principal responsable del desarrollo de las teorías sobre la aplicación de las ideas constructivistas a la tipografía.

Por medio de su folleto tipografía elemental y de su libro la nueva tipografía explicó y dio a conocer la tipografía simétrica a un gran número de impresores cajistas y diseñadores.

Para él la tipografía simétrica era artificial porque no lleva significado a las palabra.

Él era partidario de los nuevos principios de diseño asimétrico dentro de retículas matemáticas y la distribución jerárquica de la información.

Durante estos años varios diseñadores sintieron su influencia aunque tuvieron visiones muy personales y originales.

Se caracterizaban por ser diseños asimétricos y dinámicos con originales composiciones tipo gráficas.

Destacaron entre otros Herbert Matter, de origen suizo, que fue pionero de los fuertes contrastes de escala y del uso de la fotografía en blanco y negro combinados con símbolos y zonas de color.

Piet Zwart nacido en 1885 en Holanda que se interesó por los fuertes contrastes que podía crear entre las formas de las letras y el espacio que las rodean para provocar ritmo y tensión en sus diseño.

En EEUU destacó Lester Beall que en el provocador entorno de la depresión trató de desarrollar formas visuales directas y estimulantes. A menudo combinaba planos de color uniforme y símbolos elementales con la fotografía buscando el contraste visual.

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En 1939 comienza el conflicto bélico más importante de la historia, la Segunda Guerra Mundial.

El 1 de septiembre las tropas alemanas invaden Polonia comenzando un conflicto que terminará en 1945 con el bombardeo de Hiroshima y Nagasaki.

Pasada la guerra el mundo prácticamente quedará dividido entre el bloque occidental y el comunista.

Durante el período de guerra tanto durante la primera como durante la segunda muchos diseñadores encaminan su trabajo a motivar a la población para apoyar a su país en la guerra.

Con la primera Guerra Mundial, pero sobre todo tras la revolución rusa, nace el concepto de cartel político o de propaganda motivado por la necesidad de los gobiernos de movilizar y manipular a las masas.

El cartel bélico, principalmente durante la Primera Guerra Mundial, imitó muchas de las características de la publicidad de la época. Había carteles de tres tipos: los que animaban al reclutamiento, los que solicitaban recursos económicos y los que presentaban al bando oponente como un villano.

La publicidad se llena de grises o de color ya sea para desprestigiar al enemigo o para destacar los valores de la nación o de la propia guerra.

Las ideas se presentan de una forma muy visual y comprensible para una mayoría analfabeta, sin embargo la aportación más importante en el terreno de este tipo de cartel se la debemos a los rusos que durante la revolución rusa emplearon las bases gráficas del constructivismo para la realización de originales carteles que a través de imágenes y bloques sólidos de color animaban al pueblo a la revolución.

De esta época podemos destacar la aparición de la figura del famoso Tío Sam creado por James Montgomery Flagg.

Una de las figuras más destacadas del movimiento ruso fue Alexander Rodchenko que usaba una geometría clara, colores llamativos, textos con siluetas, tipografías contorneadas y movimientos en la composición.

La propaganda de la Segunda Guerra Mundial siguió en gran parte las líneas de la primera. Hablaban sobre la importancia de la unidad nacional, la gloria del propio país, las atrocidades del bando contrario y la necesidad del sacrificio por un bien común. 

Sin embargo en esta época los carteles han evolucionado. La imagen huye de la estética publicitaria de las figuras, son más genéricas y muchos tienen un aspecto más tétrico. Mientras la mayor parte del mundo sufría las consecuencias de la guerra surgirán dos grandes escuelas o corrientes en el diseño. Una en EEUU llamada por algunos la escuela de Nueva York y otra encabezada por los suizos denominada estilo internacional.

Este movimiento tuvo dos epicentros. Uno en Basilea y otra en Zúrich. El nuevo estilo de diseño gráfico nacido en este país en los años 50 llegará a ser el predominante hasta los años 70 y una referencia imprescindible en la época actual.

Influenciados también por el Constructivismo y la Bauhaus los diseñadores de este estilo definían el diseño como una actividad socialmente útil e importante y dejaban de lado la expresión artística y personal buscando una solución más científica y universal.

Sus tres pilares básicos son la estructura basada en una retícula en la disposición de los elementos de forma asimétrica y el uso de tipografías sin serifa y el uso de fotografía en blanco y negro. De esta forma creaban un diseño claro y conciso.

Destacaron en este movimiento Emil Ruder que fomentó el espacio en blanco y la limitación en el uso de tipografías; Theo Ballmer que destacó por su meticuloso uso de la retícula; Max Bill empleó fórmulas matemáticas y geométricas para crear diseños más potentes, además popularizó la tipografía Akzindesk Grotesk; Joseph Müller-Brockmann, diseñador suizo que encabezaba la escuela de Zúrich y entre sus obras más influyentes se encuentran los carteles promocionales para conciertos de esta misma ciudad.

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A principios del siglo fue París, después Alemania y a mediados del siglo fue Nueva York quien se convirtió en el centro cultural del mundo y el diseño gráfico jugó un papel muy importante en ello.

Esta época del diseño gráfico estadounidense iniciada con fuertes raíces europeas durante los años 40 ganó reconocimiento internacional por sus originales puntos de vista en los años 50 y continuando hasta hoy.

Mientras el diseño europeo era teórico y sumamente estructurado, el diseño estadounidense era intuitivo y más informal en su enfoque para organizar el espacio y por eso dictaron su propia forma de diseño moderno.

Se puso énfasis en la expresión de ideas y en la presentación abierta de la información. se valoraba mucho la novedad en la técnica y la originalidad del concepto y buscaban resolver los problemas de comunicación a la vez que satisfacer una necesidad de expresión personal.

Lublín la llamó la escuela estadounidense del expresionismo gráfico. 

De esta escuela destacaron Paul Rand, padre del diseño moderno americano. Rand demostró que incluso el más simple de los objetos lleva varias capas de significado. Tenía un talento especial en la creación de símbolos gráficos originales, dueños de un encanto e ingenuidad que comunican efectivamente con el público.

Saul Base, muy conocido por sus créditos de cine y algunas de las identidades más importantes de EEUU. Característico de su trabajo fue la simplificación de la forma hasta conseguir un poderoso símbolo gráfico que domina la composición. Su lenguaje gráfico, si bien minimalista, posee una gran calidad plástica lograda con el uso del papel cortado a mano, pinceladas descuidadas o escritura manual.

Los años 60 y 70 se caracterizan por un periodo de fuertes tensiones políticas entre los EEUU y la URSS iniciados después de la segunda guerra mundial, la guerra fría. 

Derivará en varios acontecimientos importantes como la carrera espacial o la guerra de Vietnam.

La población no aprueba las decisiones de sus gobiernos provocando importantes revoluciones sociales y culturales en Europa y en EEUU.

Polonia que pasó de ser un país independiente a ser casi destruida por los nazis durante la guerra y posteriormente a tener un gobierno comunista.

Francia es un hervidero de nuevas ideas y movimientos juveniles.

En Inglaterra crisis, gran sentimiento de nihilismo y rebelión contra el sistema.

Los artistas polacos buscan en sus carteles una identidad propia. Su estilo tiende en gran parte al surrealismo y tienen una preferencia clara por el collage.

No buscan vender sino que usan el diseño para promocionar eventos culturales y los clientes son las propias instituciones. Esta libertad de acción les permite crear obras que serán de gran influencia en el resto de Europa en los años venideros, como por ejemplo, en Francia.

En Francia el diseño tiene un fuerte componente político y de protesta y su mensaje, fruto de un profundo ejercicio intelectual, pretende hacer reflexionar a la población.

En Inglaterra el ansia de libertad se manifiesta en la estética Punk que rompe con los elementos del diseño creando un lenguaje crudo y en parte Dadaísta caracterizado por el collage y el uso de colores estridentes.

En Francia destaca el estudio Grapus que dedicó su actuación entre los años 1971 y 1991 al diseño de carteles de carácter insólito sobre temas sociales y políticos. Se caracterizaron por el uso de símbolos reconocidos en la memoria colectiva del público combinadas de forma contradictoria con el objeto de crear un malestar en el espectador y así llamar su atención.

Sus carteles de gran creatividad artística son herederos de esta libertad de acción del diseño polaco.

En inglaterra pondremos como ejemplo los carteles de Jamie Reid, artista inglés nacido en 1947 y totalmente ligado al movimiento Punk se caracteriza por el uso de textos a base de recortes y las imágenes provocativas en contra del sistema. Colaboró con la mítica banda Sex Pistols en la portada de sus álbumes.

Y en estos momentos, ¿qué se cuece en EE.UU?

Recordemos que nos encontramos en plena guerra fría y sus tropas se encuentran en Vietnam. En su país los jóvenes crean movimientos antibelicistas y feministas y nacen nuevas culturas como los hippies y los beatniks.

¿Y qué pasa con el diseño?

Estamos en una época de grandes avances tecnológicos. La televisión es el medio de comunicación por excelencia y comienza la edad de oro de la publicidad consolidándose muchas de las grandes empresas del sector.

En este periodo gana fuerza el Expresionismo Gráfico que juega con la forma de las palabras para expresar una idea.

Se perfeccionan las técnicas de expresión gráfica como la fotografía, la infografía o la fotocomposición con la ayuda de los primeros programas de ordenador. 

Pero esto no acaba aquí.

La cultura juvenil ha creado sus propios valores, su música, y esta forma de vida necesita una nueva estética caracterizada por las caligrafías psicodélicas y distorsionadas, las formas simplificadas y el uso del color.

Dentro de este género encontramos a Milton Glasser. Sus obras durante los 60 utilizaban la línea negra de contorno y añadía después gran cantidad de color.

Sus imágenes fueron imitadas muchas veces pero él siempre consiguió soluciones innovadoras con sus diseños.

Con un estilo completamente distinto tenemos a Herb Lubalin. Nacido en Nueva York en 1918 fue uno de los innovadores tipógrafos americanos atreviéndose a explorar las posibilidades de la tipografía jugando con forma y significado.

A partir de los 80 los ordenadores personales y los nuevos programas informáticos gráficos ofrecieron a los diseñadores la oportunidad de jugar con la relación del texto con la imagen.

La aparición de Internet supone la globalización de la información y una gran revolución en la Comunicación.

La sociedad de consumo que comenzó a forjarse a principios de siglo se ha consolidado y la cultura popular ya domina el campo visual. 

La era digital trajo consigo cambios en la percepción del espacio y la composición abriendo paso a un nuevo lenguaje gráfico con nuevas posibilidades para la tipografía y las imágenes.

En EE.UU, el “New Wave” de California usando elementos de estilo suizo utilizó la tecnología fotográfica y electrónica para realizar diseños más informales. Cuestiona el uso de la retícula para buscar mayor expresividad. A pesar de romper con las reglas del estilo tipográfico internacional el nuevo estilo New Wave mantuvo la letra de palo seco y el carácter geométrico y angular del diseño lo que provocó que muchos lo considerasen una evolución en vez de una ruptura. 

Gana poder la fotocomposición y la unión entre texto e imagen.

Wolfgang Weigart, padre del nuevo estilo, que partiendo del estilo suizo comenzó en los años 70 considerando que el texto pulcro y ordenado no servía de mucho si no despertaba el interés del espectador al leerlo. Apostaba por la expresividad para mejorar la comunicación realizando ciertas modificaciones en la letra.

Destaca April Greiman reconocida por ser de las primeras diseñadoras en incorporar el ordenador como herramienta de diseño. Su concepción del diseño concibe la página como si ésta fuera un espacio tridimensional donde los elementos se mezclan felizmente sin jerarquías y en un complejo orden.

Y otro diseñador que ha destacado al final del siglo es Neville Brody, diseñador y tipógrafo inglés. Su trabajo revolucionó el diseño editorial con el uso atrevido del espacio en blanco. Fotografías impactantes unida a una tipografía transgresora de cualidades plásticas que llegó a transformar en símbolos abstractos.

David Carson, para el un buen diseño es aquel que provoca una reacción en el receptor, por lo que su trabajo se basa más en la intuición que en el pensamiento. Crea páginas de escasa legibilidad pero con composición gráfica exquisita y una estética sucia convirtiéndole en una figura del movimiento grunge.

Durante el siglo XX los medios de comunicación adoptaron nuevas formas y cada nueva técnica aportó al diseño un control mayor sobre el proceso gráfico facilitando herramientas para la creación de diseños innovadores y de gran originalidad.

Pasados los años 80, el diseño gráfico se metió de lleno en la conciencia popular y empezó a formar parte de la vida cotidiana de la gente.

La televisión omnipresente en todos los hogares comenzó a usar diseños para créditos de series programas o videoclips.

No se puede negar que a finales del siglo las nuevas formas de comunicación de la era digital, como es el caso de internet, han contribuido a una rápida evolución del diseño gráfico a nivel mundial yendo un paso más con la creación de sitios web.

La era digital que empezó en los años 80 cambió el papel por la pantalla y sobre todo la forma de relacionarnos con las imágenes o el texto. 

Pero las bases del diseño gráfico que nos permiten transmitir información de manera efectiva e impactante son las mismas que comenzaron a escribirse cien años atrás y que fueron enriqueciéndose a través del tiempo en un continuo y constante diálogo.

¿Qué nuevas formas de comunicación gráfica nos traerá el siglo XXI? ¿cómo influirá en el diseño gráfico?

Qué hace un diseñador gráfico

Desde vallas publicitarias y etiquetas de productos hasta ordenadores portátiles y teléfonos móviles, los gráficos están en todas partes.

Las marcas grandes y pequeñas utilizan diseños impresos y digitales, como logotipos, sitios web o anuncios, en un esfuerzo por atraer la atención de su audiencia y promover su producto o servicio.

Y no importa lo que vendan, detrás de la campaña visual de cada marca hay un diseñador gráfico.

Pero, ¿qué hacen exactamente los diseñadores gráficos?

En pocas palabras, crean conceptos visuales, física o digitalmente, para comunicar ideas que inspiran, informan y cautivan a los consumidores.

Aunque todos los diseñadores tienen algunas cosas en común, sus deberes laborales, su entorno de trabajo y sus habilidades pueden variar enormemente.

En este artículo quiero proporcionarte una visión más cercana a lo que hacen y cómo lo hacen los diseñadores gráficos.

Al involucrar aspectos de marketing, arte, tecnología y servicio al cliente, el diseño gráfico puede parecer un concepto complicado. Para simplificar su función, piensa en los diseñadores gráficos como narradores visuales. El trabajo de un buen diseñador es usar imágenes para contar una historia de una manera que apoye el mensaje de una marca y evoque emoción.

Gran parte de lo que hacemos los diseñadores gráficos es combinar forma y función, según el diseñador gráfico Pablo Solomon: “Como en cualquier buen diseño, desea lograr su objetivo práctico de la manera más agradable e impactante visualmente”, explica. “Cuando los músicos usan música, los poetas usan palabras y los bailarines usan sus movimientos para comunicar sentimientos, los diseñadores usan sus imágenes”.

Al final del día, el objetivo de un diseñador debe ser satisfacer el deseo de su cliente de comunicar una idea de una manera visual.

Ahora que tienes una mejor idea sobre qué somos responsables los diseñadores gráficos, probablemente sientas curiosidad por saber qué hacemos a diario. Ten en cuenta que esto puede variar mucho según dónde se trabaje y la especialidad del diseñador.

Pero cuando se trata de lo que hace un diseñador gráfico, hay ciertas tareas que cabe esperar.

Trabajos comunes de los diseñadores gráficos

  1. Reunión con clientes o directores de arte para definir el alcance de un proyecto.
  2. Uso de software de edición de fotografías, software de diseño e ilustración digital para crear diseños.
  3. Seleccionar colores, imágenes y tipos de letra para transmitir la marca y el mensaje de una empresa.
  4. Presentar conceptos de diseño a clientes o director de arte.
  5. Aplicar actualizaciones a los diseños en función de los comentarios y opiniones de las partes interesadas.
  6. Examinar los diseños finales (artes finales) para asegurarse de que no haya errores antes de imprimirlos o publicarlos.
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¿Dónde trabajan los diseñadores gráficos?

Hay tres entornos principales en los que los diseñadores gráficos tienen la oportunidad de trabajar: interno, agencia o autónomo.

Una empresa contrata a un diseñador interno para producir materiales creativos específicamente para su propia marca.

Un diseñador de agencia trabajará proyecto por proyecto para una empresa que brinda servicios creativos para una variedad de clientes.

Un diseñador autónomo o freelance es autónomo y gestiona su propia carga de trabajo y clientela.

Cada entorno de trabajo tiene sus propias ventajas y desventajas, y hay ciertas cualidades y características que son ideales en cada entorno. Es importante que los diseñadores gráficos se familiaricen con las diferentes opciones para decidir qué entorno se adapta mejor a ellos.

¿Qué hacen los diseñadores gráficos en un entorno interno?

Los diseñadores gráficos internos disfrutan de la estabilidad de un entorno de trabajo “tradicional”.

Crean diseños estrictamente para la empresa en la que trabajan, lo que les permite invertir completamente en la marca y su mercado objetivo.

Un diseñador en este entorno tiende a ser un “experto en todos los oficios”, con un amplio conjunto de habilidades con la capacidad de asumir muchos tipos diferentes de proyectos para su equipo.

¿Qué hacen los diseñadores gráficos en un entorno de agencia?

Es bastante común que las pequeñas empresas o las personas subcontraten su trabajo de diseño a una agencia de diseño gráfico.

Dependiendo del tamaño de los proyectos, los diseñadores de agencias pueden hacer malabares con varios proyectos para diferentes clientes en una semana determinada.

La carga de trabajo tiende a refluir y fluir dependiendo de los contratos que llegan, lo que a menudo genera horarios inconsistentes mientras se trabaja para cumplir con los plazos.

Las agencias a menudo emplean especialistas en diseño y distribuyen los proyectos en consecuencia para garantizar una alta calidad.

¿Qué hacen los diseñadores gráficos en un entorno autónomo o freelance?

Para los diseñadores autónomos (o freelance) y con conocimientos de negocios, el trabajo independiente puede ser una opción ideal.

Estos diseñadores trabajan por cuenta propia y, a menudo, trabajan desde la comodidad de su hogar.

Como persona a cargo, tienen la capacidad de elegir las horas que trabajan, los tipos de proyectos que toman y los clientes con los que trabajan.

Además de las responsabilidades de diseño, también son responsables de marketing, finanzas, operaciones y otros aspectos importantes de su negocio.

¿Cuáles son algunas habilidades importantes de diseño gráfico?

Dado que los trabajos constan de varios aspectos únicos, los diseñadores gráficos debemos poseer una combinación única de habilidades artísticas y técnicas. 

Principales habilidades artísticas para diseñadores gráficos:

  • Adobe Creative Suite®
  • Medios de comunicación social
  • Tipografía
  • Diseño de páginas web
  • Packaging
  • Gestión de proyectos
  • Diseño visual
  • Elementos de marketing
  • Ilustración
  • Diseño digital

Principales habilidades técnicas para diseñadores gráficos:

  • Creatividad
  • Comunicación
  • Atención a los detalles
  • Colaboración
  • Organización
  • Cumplimiento de plazos
  • Edición
  • Resolución de problemas
  • Multitarea
  • Gestión del tiempo
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Empresa de diseño gráfico

Estudio Pixel esta formado por diseñadores gráficos especializados en diferentes áreas del diseño, de forma que podemos cubrir cualquier tipo de encargo relacionado con el diseño gráfico.

Para conocer qué hacemos en el estudio y cómo trabajamos lee el artículo un estudio de diseño gráfico en Alicante.

Desarrollamos todo tipo de trabajos relacionados con las siguientes áreas:

Diseño gráfico corporativo

Logotipos, manuales de imagen corporativa, tarjetas, folletos y flyers, carpetas, catálogos.

Diseño gráfico publicitario.

 

Diseño de rotulación y señalización de locales comerciales.

Rótulos luminosos, banderolas, rotulación de escaparates.

Rotulación de coches y furgonetas de empresa.

Diseño y programación de páginas web.

Páginas web corporativas, tiendas virtuales (E-commerce), diseño de landing pages, diseño de páginas de venta.

Diseño de aplicaciones (Apps).

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